“Ogni blocco di pietra ha una statua dentro di sé ed è compito dello scultore scoprirla.” – Michelangelo

Dalla modellazione della creta al negativo in gesso, dalla cartapesta allo stucco, fino al colore: un un processo artigianale strutturato su passi precisi. Affineremo la manualità per tradurre al meglio il pensiero, lasciando che la creatività segua il ritmo dettato dai materiali.

• Modellazione creta
• Costruzione negativo in gesso
• Preparazione carta
• Realizzazione maschera in cartapesta
• Taglio occhi e bordi
• Stuccatura
• Rifinitura e colore

La maschera è un motore molto potente per l’immaginazione. Osservare il gioco tra linee, volumi e proporzioni risveglia la sensibilità verso ciò che la forma comunica. Il dialogo costante tra creatore e materia, sempre in trasformazione durante il processo di modellazione, offre spunti inattesi e suggerisce nuove direzioni alla visione. L’obiettivo è creare un oggetto vivo e tridimensionale, pronto ad accogliere le emozioni e gli stati d’animo di personaggi complessi.

Una discreta manualità ed esperienze pregresse sono certamente utili, ma non rappresentano un pre-requisito: curiosità e desiderio di sperimentare sono più che sufficienti.

“L’arte non è ciò che vedi, ma ciò che rendi visibile.” – Paul Klee

Un percorso di apprendimento e sperimentazione che si radica nella ricerca sul movimento, si nutre dell’improvvisazione, ed esplora la drammaturgia non verbale e le tecniche di creazione e composizione nel teatro fisico.

• Training fisico e partnerwork
• Propriocezione e percezione
• Le qualità del movimento
• Improvvisazione e partitura
• Drammatizzazione del movimento
• Creazione e composizione
• La messa in scena

Il corpo è profondità, luogo che accoglie, che ospita e manifesta. L’obiettivo dell’allenamento fisico è scoprire e liberare le connessioni fra le sue parti, aumentando la sensibilità e affinando la percezione. Attraverso l’esplorazione del contatto con il suolo, dei centri di gravità, del peso, degli impulsi e del lavoro con il partner, entreremo in un dialogo giocoso con il corpo e con lo spazio.

Il corpo-voce, in rapporto a uno spazio sempre da ridefinire e a un tempo da dominare, diventa lo strumento per tradurre idee in azioni sceniche, che siano al tempo stesso concrete e simboliche. Drammatizzare il movimento vuol dire creare una composizione che generi senso e tensione, che sia leggibile e capace di entrare in risonanza con il pubblico.

“Qual é la scintilla che dà vita ad un carattere, una storia, un destino?”

La seconda settimana introduce il lavoro d’attore con la maschera. Un allenamento fisico specifico e quotidiano ci permetterà di rendere il corpo più pronto, ricettivo e disponibile. Risvegliando e nutrendo il processo immaginativo, attivando e sviluppando le connessioni tra tensioni, posture corporee, sensazioni fisiche ed emozioni, incontreremo poi la maschera e impareremo a donarle corpo e respiro.

• Training fisico (attività/passività)
• Punto guida, traccia, tono e tempo-ritmo
• I 4 elementi
• Improvvisazione e monologo interiore
• La mezza maschera e il corpo-voce
• La maschera intera e il non verbale
• La nascita del personaggio

Coltiveremo la sensibilità nel riconoscere e dare spazio ad impulsi interiori e stimoli esterni, e la fiducia necessaria a utilizzarli come materiale organico per la creazione. Integreremo la tecnica e la creatività individuale, muovendoci in quel regno di libertà dove tutto muta continuamente. Metteremo tutto questo a disposizione delle maschere, incarnandole e inducendole a svelarsi in un ballo al tempo stesso intimo e mondano, sacro e profano.

“Ogni movimento porta con sé un significato; ogni silenzio contiene una storia.” – Philippe Gaulier

La terza settimana è dedicata alla creazione di personaggi originali e credibili, e all’esplorazione delle situazioni in cui possano esistere e relazionarsi, in un circolo virtuoso che nutra la scoperta e  l’evoluzione di entrambi. Continuando a praticare e affinare l’allenamento fisico e introducendo elementi di drammaturgia non verbale, impareremo a plasmare i personaggi con consapevolezza, dando forma ai mondi che abitano, riflesso di ciò che non possono non essere.

• Training fisico (attività/passività) 
• La precisione del gesto
• I temperamenti e gli stati d’animo
• Il canovaccio e il personaggio
• Relazione e trasformazione
• Focus e condivisione con il pubblico
• Drammaturgia non verbale e composizione

Approfondiremo il lavoro sul gesto e sull’azione, per renderli misurati, espressivi ed eloquenti. Impareremo a far vivere i personaggi attraverso la trasformazione e l’evoluzione delle loro emozioni e dei loro stati d’animo. Comporremo per loro traiettorie e percorsi scenici in cui possano agire, incontrarsi e rivelarsi, con l’intento di far risuonare nel pubblico frammenti delle loro esistenze.